素描是清晰表现人物的表现形式，在西方绘画中有一定的训练标准。同时，绘画是对客观形式的理性认识和表达，也是通过绘画对自然与空间关系的完整认识。
传统与古典绘画密切相关。现当代艺术，如抽象、装置、行为等，并不需要精确的造型技巧，素描营造的空间和表现的质感也不重要。自从法国艺术家杜尚在博物馆里放了一个倒置的马桶并说任何人都可以成为艺术家以来，他就放弃了绘画的基础和基本的具象技巧。
这张曾经在艺术中扮演如此重要角色的素描还有必要吗？
该草图已经有很长的历史了，直到达到目前的状态。它的起源可以追溯到古埃及和古希腊。回到原始社会。早期人类用线条在石壁、岩石上雕刻出与人类有关的形状和图案，如鸟类、走兽、奔跑、放牧、狩猎等。这可能是第一个“草图”。
素描最初的功能是为宗教服务。画教堂壁画时，我首先用铅笔和木炭画轮廓。这些逐渐演变成草图，成为独立的作品。文艺复兴时期，乔托、达芬奇、米开朗基罗等大师研究透视、空间、形式，运用科学的理论和方法进行绘画，创造了简洁、清新、雄伟、深邃的艺术审美境界。
以前的素描一旦剥离了所谓的轮廓，成为绘画的基础，就逐渐形成了独立的素描。作为“素描”的独立含义，其表现形式是多样的。我看过列奥纳多·达·芬奇的发明和设计草图，是用铅笔画的在纸上画形状、光影、线条等，是素描的一种。米开朗基罗还有画《创世记》天花板时的草图，以及雕刻《大卫》和《基督受难记》等大理石雕塑时的设计草图。我想这也可以算是一个素描。
阿道夫·门泽尔是一位才华横溢的素描专家。以“轧钢厂”为例，其明亮的线条和细节，其解剖结构和所营造的氛围，是当时的典型人物。鲁本斯以细致的笔触和遵循古典主义的表现手法创造出美丽而独特的造型。他的素描中人物的面部表情生动而富有表现力，能够准确地捕捉和营造图像的流动感，创造出充满内在活力的静态素描，体现巴洛克风格的宏伟和激情。伦勃朗的素描浓密而迷人，利用光影逐渐扩大空间和人物。描绘细致的场景和表情都很精彩，包括铜版画在内的山水画尤其高贵。古典主义画家安格尔标准化了他的草图并强化了他的线条。他在作品中注重仔细研究线条与素描的关系。他认为绘画是一门真正的艺术。柯勒惠支是一位以素描形式进行创作的艺术家。它专注于寻找生命的意义和价值。他的素描简单、坚韧、精致、个性化、情感丰富且充满激情。他创造了独特的形式语言，在世界绘画史上占有重要地位。
十九世纪，素描扩展到描绘日常生活场景。随着绘画故事的发展，出现了几种趋势。虽然流派、形式、风格众多，但从未偏离素描。浪漫主义的德拉克洛瓦、表现主义的蒙克和其他画家通过严格的表现来塑造他们的物体到轻松写意，草图提供了基本的支撑。印象派画家莫奈和毕沙罗的光画以及米勒的情感“回忆”是另一种绘画方式。布拉克与立体派画家毕加索的三维结合，都是关于风格和形式的。风格素描。柯罗、安德斯·索恩、马蒂斯和费钦的素描具有强烈的个人表现力。席勒16岁时所创作的素描和素描展现了他的天才。纳比画派的草图，包括克里姆特创立的维也纳分离派，以及主张打破传统学术束缚、强调艺术自由和创新的野兽派，都引领了时代的印记。
随着时代的发展，绘画的风格和风格不断扩大，不断发展。现当代艺术已成为世界艺术的主流，素描的形式也在不断变化。日本浮士德画对西方绘画的影响绘画逐渐改变了我们对绘画的理解。他将东方美学、禅宗艺术、本土艺术以及少数民族的纯真情感以线条和块体的形式融合在一起，让绘画回归本源。洞穴绘画、壁画和其他艺术表现形式为您的草图赋予了新的意义。
在东方，中国艺术与绘画早已联系在一起。中国最早的“素描”是线条，而线条的密度延伸到了绘画中。西汉时期出现的白描壁画，用线条勾勒出壁画中的人物、风景，与西班牙、法国的洞穴壁画十分相似。北魏、唐五朝时期，线条在帛纸上得到广泛运用，逐渐形成以书法线条为主的水墨画体系。外师创造并获得心的源泉。它不寻找相似性或相似性、准确性或不准确性。他内心所追求的是生动的形象和魅力。所谓绘画，已扩展到包括玄学、禅宗、审美观、东方美学等。这从古希腊罗马雕塑与中国雕塑的差异就可以看出。
明代意大利传教士传入西方绘画，并逐渐引入包括写生在内的绘画课程，为绘画带来了新天地。 1920年代至1930年代，徐悲鸿、林风云、刘海粟、颜文亮、关良等都曾留学欧美、日本。完成学业后，他们又回到弘扬西方艺术的道路上。写生逐渐受到人们的关注和喜爱，并逐渐与中国画、美学融为一体。 20世纪70年代，素描在中国开始流行。上海素描和素描研究的热情高涨，西洋画教学出现了新的风貌。素描作为绘画的基本训练方案，逐渐融入到独立的绘画中。耳鼻喉科单框架模型。这一时期，产生了一批优秀的绘画人才，继承了西方的绘画在中国蓬勃发展。
绘画已经取得了长足的进步，并将继续如此。我认为它仍然与现当代艺术密切相关，但它只是以不同的面貌和概念来到我们身边。现当代艺术，如装置艺术、行为艺术、抽象艺术等，将“写生”提升到“做”的层面，不再严格意义上对待。我得到了它。这样，整个绘画艺术就被简化为一幅无所不包的“大写生”。 Sketch发展至今，其属性逐渐扩展，范围不断扩大。图像设计概念在艺术中的作用变得不可见。
素描是造型技巧的体现，素描首先是审美观念的注入。必须认识到，绘画中有许多不同的表达方式，它们可能不适合传统的绘画方式。类别。比如丁乙的作品就是简单的线条交织，线条的长宽等设计方法应该是一种新的写生方式。例如，徐冰画的“汉字”，是点画法的一种变体，可以作为一种绘画，而它们的悬挂方式、高度、宽度、拱度和长度等视觉效果的设计者也可以被认为是绘画。又如李向阳的“线场”配置和曲凤国的“彩线”布置。追根溯源，隐含着绘画的基本要求：“三笔成大关系”。胡向成的装置将旧建筑的部分进行重新组合，其组合基于尺寸、密度、节奏等视觉概念，但没有放弃草图所赋予的美学概念。陈箴的装置《圆桌》，视觉上也是一幅素描，一个“素描”就是画点、线或者图像和文字，组合起来就形成了一幅“素描”作品。赵无极的抽象表达了空间的浩瀚，群与线的组合形成了一种如果没有绘画知识就不可能实现的形式。我认为朱德春的抽象画是对中国山水画的重构，我认为这幅画的素描非常重要。
现代绘画基于对方案的观察、分析、感知和意义。素描造型意识可以在绘画时获得知识和智慧，创造美感。一条线就是一个点。大大小小的圆点连接在一起形成一个表面，表达表情和情感释放。点、线、面的结合是诗意的创造。绘画的美不在于机械地再现自然，而在于用线条表达艺术家的观念和意图；体现了对原生世界的观察、重构和情感的表达。
当卡夫卡评论时他在欣赏这幅素描时，间接表达了他对中国道教教义的同情。他欣赏写生中“虚实观念”的运用，认为真正的艺术源于心灵的纯洁，这与道家“清”、“清”、“真”的观念是一致的。他认为空白和简单的草图是了解非现实本质的一种方式。卡夫卡认为素描可以捕捉人的内在轮廓，作为灵魂的直接表达，而不是仅仅依靠外在的视角。
尼采认为，素描不仅是一种技术表达，而且是艺术家情感的直接记录。绘画是一种情感，是眼、心、手、空间距离和时间之间的关系。
贡布里希强调，艺术创作始于明确的任务或概念，以草图为起点，应关注形式问题。他认为艺术家应该通过素描来探索“形式”，而不是简单地模仿他们的主题。这符合当代艺术“形式至上”的趋势，素描成为检验概念的工具。
从西方文艺复兴到现当代艺术，绘画从现实主义转向探索形式的可能性。写生中的想象和主观感受是过程中观念变化的手段。无论艺术如何改变形式，绘画作为一种美学必须始终存在于创作过程中。
（黄亚中，作者为上海文史馆馆员、上海大学上海美术学院教授、博士生导师）来源：韦珀 【编辑：叶攀】
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